Luminosité positive et vitalité chromatique dans l’Expressionnisme Abstrait de Marc Feist, quand l’harmonie devient ligne directrice pour le ressenti.
Tout ce qui appartient à l’intériorité, à la manière de percevoir le monde qui nous entoure, s’exprime chez les artistes à travers leurs œuvres, comme si, par la représentation picturale et sculpturale, ils ne pouvaient s’empêcher de révéler ce qu’ils ne seraient autrement pas capables d’expliquer ; cela est d’autant plus vrai lorsque les créateurs se rapprochent d’un type d’art où la forme cède la place à un monde sans forme, cette absence de références visuelles où il serait possible de se dissimuler, les conduisant ainsi presque inconsciemment à exposer leur nature, racontant leur façon personnelle d’affronter la vie, d’interpréter les événements et les perceptions de la réalité observée. Le protagoniste d’aujourd’hui choisit ce type d’approche picturale, à travers laquelle on peut deviner, outre son talent dans l’association des couleurs, le regard souriant qu’il pose sur tout ce qui l’entoure, racontant ses émotions à travers l’utilisation de la luminosité.
Au début du XXe siècle, l’art a ressenti le besoin de subir une évolution nécessaire pour suivre le rythme d’une époque marquée par des innovations technologiques et une dynamique sociale qui bouleversaient profondément les rythmes plus lents et traditionnels du passé ; c’est dans cette nouvelle vision que naquirent différents mouvements, parfois opposés, où certains voulurent conserver un lien avec la réalité observée tout en la réinterprétant selon les nouvelles thématiques anticipées par les courants artistiques de la fin du XIXe siècle, tandis que d’autres insistèrent sur la nécessité de se détacher complètement du visible pour entrer dans une dimension nouvelle où le geste plastique suffirait à créer de l’art, indépendamment de toute contingence de référence. Cette ligne directrice a donné naissance à l’Abstraction, où les premiers théoriciens se sont concentrés sur l’objectivité des formes dans l’espace, souvent avec des références géométriques et un choix de couleurs limité aux seules couleurs primaires, comme dans le Suprématisme de #Kazimir Malevitch et dans le #De Stijl de #Piet Mondrian et #Theo Van Doesburg, et en excluant surtout tout subjectivisme, toute émotion ou interférence personnelle de la part de l’auteur de l’œuvre. Seul #Wassily Kandinsky, considéré comme le père de l’Art Abstrait, tenta de maintenir, avec peu de succès à cette époque, un lien avec le ressenti intérieur par le biais de l’impulsion exécutive générée par la musique ; son approche expressive, après un rejet de ses contemporains, fut reprise et même poussée à l’extrême dans les années 1950, avec la naissance aux États-Unis de cet Expressionnisme Abstrait destiné à révolutionner le monde de l’Art Informel en le libérant de toute référence, même géométrique ou linéaire, pour le transformer en pure manifestation de l’intériorité de l’artiste, dont le dénominateur commun était l’absence de toute autre règle, laissant ainsi à chaque artiste le choix de la technique picturale la plus conforme à son ressenti. L’impulsivité de #Jackson Pollock, l’un des pères fondateurs du mouvement, trouva son plein accomplissement dans le Dripping, souvent exécuté sur des notes de jazz, élément inspirateur puissant, tandis que la réflexivité de #Mark Rothko et la délicatesse poétique d’#Helen Frankenthaler avaient besoin de la quiétude du Colour Field, tout comme l’irrationalité impétueuse de #Frank Kline avait besoin du sign painting pour ce libérer spontanément sur la toile
1- Féminité, Acrylique sur toile, 100x81 cm.
De plus, pour lui, les couleurs correspondent aux vibrations émotionnelles qui se déplacent à l’intérieur de soi, souvent incapables de s’exprimer pleinement, tandis que par la manifestation picturale, il est possible de se laisser complètement aller au flux des sensations en évitant le filtre de la rationalité grâce au choix de se détacher de la figuration, même si, dans certains tableaux, il superpose des images réelles à d’autres sans forme. Pour #Marc Feist, l’art est une thérapie de libération et une prise de conscience d’un monde intérieur souvent trop riche pour être raconté par des mots, et ainsi, le geste plastique devient communication, connexion entre l’inconscience et la prise de conscience de tout ce qui, autrement, pourrait submerger.
2 - Oxygène, Acrylique sur toile, 80 x 80 cm.
L'utilisation des peintures acryliques et principalement du couteau et de la spatule pour étaler la couleur lui a permis, au fil du temps, de perfectionner sa technique et de l'harmoniser avec son approche de la vie, où chaque événement, chaque circonstance peut être transformée en une occasion fondamentale de voir des opportunités de lumière là où beaucoup voient l'obscurité. Ce concept lui a permis de canaliser, grâce à l'art, le dépassement du trouble schizophrénique de l'un de ses fils, à qui il a appris à peindre pour surmonter les blocages et les crises, lui permettant ainsi de convertir en créativité ce qui affligeait son esprit. Ce sont la positivité et la résilience innées de #Marc Feist qui génèrent sa palette de couleurs vitales, vives, joyeuses, comme si, dans sa conception de l'existence, tout tendait vers la lumière, laissant émerger l'euphorie et l'enthousiasme face à une vie qui se transforme selon son propre point de vue, car le regard que l'on porte sur ce qui entoure l'être humain est capable de déterminer l'expérience que l'on fait de la réalité.
3 - Conception par la lumière, Acrylique sur toile, 80 x 60 cm.
Conception par la lumière, semble être le symbole de la peinture de l'artiste, encapsulant tout ce qui compte pour lui : la lumière, les couleurs, l'exubérance expressive, et l'incapacité totale de prendre en considération les ombres et le gris, car il est bien plus amusant d'embrasser la joie plutôt que la morosité. Il est préférable de croire que tout peut générer de la positivité et des opportunités plutôt que de la négativité et de la stagnation. Ainsi, d'une certaine manière, cette toile représente le mouvement et l'explosion de conditions favorables pouvant découler des événements qui se succèdent. La fragmentation chromatique est accentuée par l'utilisation des outils de réalisation, où le pinceau intervient uniquement pour affiner le travail du couteau et de la spatule, comme pour souligner l'unicité des possibilités infinies que chaque jour offre à ceux qui savent les saisir.
4 - Imagine, Acrylique sur toile, 80 x 80 cm.
La toile Imagine conduit l'observateur dans une dimension plus poétique, rêveuse, comme si #Marc Feist lançait une invitation à entrer dans le monde enchanté qui peut se créer lorsque l'adulte s'accorde le luxe de redevenir un peu enfant, pour se rappeler de bercer ses désirs, ces fantasmes que l'adulte renie souvent ou oublie simplement. Les couleurs sont douces, délicates, et pourtant, par moments, elles deviennent plus nettes, peut-être pour souligner que tout peut devenir réel, à condition de choisir d'y croire. L'application des couleurs acryliques est ici plus fluide, légère, afin d'accentuer cet espace suspendu et éloigné de la réalité, où les rêves ont besoin d'être cultivés.
5 - Hurlement, Acrylique sur toile, 80 x 80 cm.
Hurlement est l'une des rares œuvres où émerge un espace sombre, comme si #Marc Feist était conscient qu'il est parfois nécessaire de traverser un moment de désorientation avant de retrouver l'attitude souriante et joyeuse qui caractérise sa personnalité optimiste. Cependant, malgré cette prise de conscience, l'espace occupé par le noir reste minime, juste le temps de laisser échapper le cri évoqué dans le titre, rapidement surpassé et relégué à l'arrière-plan par la capacité de réagir, de relever la tête et de retrouver le sourire grâce à l'émerveillement qui l'entoure, et à son inclination innée à considérer la tristesse ou le déséquilibre seulement comme un moyen d'apprécier tout ce qui est beau et constitue le véritable sel de la vie.
6 - Courage, Acrylique sur toile, 60 x 60 cm.
Et, presque comme pour compléter la toile précédente, Courage met en avant, à travers l'utilisation généreuse de la feuille d'or, la précieuse force intérieure, cette capacité de réaction qui est essentielle pour #Marc Feist afin de faire face aux hauts et aux bas, et pour souligner l'importance d'une attitude résiliente grâce à laquelle il est possible de surmonter tous les obstacles. Le fond de cette œuvre est moins intense, moins coloré par rapport à d'autres toiles, peut-être pour marquer le désarroi qui survient lorsque l'individu prend conscience d'un événement difficile, face auquel il peut choisir de succomber ou, comme le suggère l'artiste, de prendre en main la situation et de la résoudre à son avantage.
7 - Osmose, Acrylique sur toile, 100 x 50 cm.
#Marc Feist, artiste autodidacte, est membre de l'Académie des Arts-Sciences et Lettres, récompensé par la médaille de bronze pour la promotion en 2023, a participé à des expositions collectives dans de nombreuses villes de France, à Barcelone, Zurich, New York, et a reçu de nombreux prix et distinctions pour son art captivant.
Marta Lock.